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11 June, 2025

ब्लैंक वर्स और ब्लूम्सबरी समूह: अंग्रेजी साहित्य के दो महान आयाम

✍️ अंग्रेजी साहित्य के दो महत्वपूर्ण आयाम: ब्लैंक वर्स और ब्लूम्सबरी समूह

🔹 ब्लैंक वर्स: अंग्रेजी कविता की स्वाभाविक ध्वनि

ब्लैंक वर्स (Blank Verse) अंग्रेजी कविता का एक महत्वपूर्ण छंद है जिसमें पंक्तियाँ आईऐंबिक पेंटामीटर में होती हैं—अर्थात प्रत्येक पंक्ति में पाँच यमक मात्राएँ होती हैं—लेकिन इन पंक्तियों का कोई तुकांत नहीं होता। इसे ही "ब्लैंक" (अर्थात् 'रिक्त') कहा जाता है, क्योंकि इसमें तुक नहीं होता।

यह छंद शैली अंग्रेजी भाषा की प्राकृतिक लय के सबसे निकट मानी जाती है, इसलिए यह भाषाई प्रवाह और गंभीर अभिव्यक्ति के लिए अत्यंत उपयुक्त है। इसका आरंभ 16वीं शताब्दी में अर्ल ऑफ सरे ने वर्जिल की The Aeneid के अंग्रेजी अनुवाद में किया था।

बाद में यह शैली एलिज़ाबेथीय युग और फिर आधुनिक युग के कई प्रसिद्ध कवियों द्वारा अपनाई गई।
जॉन मिल्टन की महाकाव्य रचना Paradise Lost,
विलियम वर्ड्सवर्थ की Prelude,
अल्फ्रेड लॉर्ड टेनीसन की Idylls of the King,
रॉबर्ट ब्राउनिंग, टी. एस. एलियट और वॉलेस स्टीवंस जैसे कवियों ने इसे अपनाकर अमर काव्य रचनाएँ प्रस्तुत कीं।

ब्लैंक वर्स की एक विशेषता यह है कि यह "वर्स पैराग्राफ्स" के रूप में विभाजित होती है—जहाँ कविता को अनुच्छेदों में बांटा जाता है। उदाहरण के लिए, मिल्टन की Paradise Lost की शुरुआती 26 पंक्तियाँ या वर्ड्सवर्थ की Tintern Abbey की पहली 22 पंक्तियाँ इस प्रकार की संरचना को दर्शाती हैं।

Tintern Abbey से एक उदाहरण:

पाँच साल बीत गए; पाँच ग्रीष्म,
उतने ही लंबे पाँच जाड़े! और फिर मैं सुनता हूँ
इन जलधाराओं को, जो पर्वतों से बहती हैं
एक मृदु अंत:स्पंदन के साथ।

🔹 ब्लूम्सबरी समूह: विचारों और रचनात्मकता का संगम

ब्लूम्सबरी समूह (Bloomsbury Group) 20वीं सदी की शुरुआत में लंदन के ब्लूम्सबरी क्षेत्र में उभरा एक अनौपचारिक बुद्धिजीवी समूह था। इसमें लेखक, कलाकार, आलोचक, अर्थशास्त्री और दार्शनिक शामिल थे, जो कला, नैतिकता, साहित्य और जीवन के मूल्यों पर चर्चा करते थे।

इस समूह के सदस्य विक्टोरियन युग की संकीर्णता और परंपरावादी दृष्टिकोण का विरोध करते थे।
प्रमुख सदस्य थे:

  • वर्जीनिया वूल्फ (प्रसिद्ध उपन्यासकार)
  • ई. एम. फॉर्स्टर
  • चित्रकार डंकन ग्रांट और वनेसा बेल (वूल्फ की बहन)
  • कला समीक्षक क्लाइव बेल, रोजर फ्राई
  • जीवनी लेखक लाइटन स्ट्रेची
  • अर्थशास्त्री जॉन मेनार्ड कीन्स

ब्लूम्सबरी समूह के सदस्य केवल साहित्यिक या बौद्धिक दृष्टिकोण से ही नहीं, बल्कि निजी संबंधों के स्तर पर भी एक-दूसरे से गहराई से जुड़े थे—कई बार ये संबंध जटिल और व्यक्तिगत रूप से संवेदनशील होते थे।

प्रथम विश्व युद्ध के बाद यह समूह साहित्यिक नवाचार और कलात्मक स्वतंत्रता का प्रतीक बन गया। इसके प्रभाव को आज भी आधुनिक विचारधाराओं, कला शैलियों और लिंग-अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता में महसूस किया जा सकता है।

इस समूह के इतिहास पर दो महत्वपूर्ण पुस्तकें हैं:

  • Bloomsbury: A House of Lions (क्वेंटिन बेल द्वारा)
  • Bloomsbury Recalled (लियोन एडेल द्वारा)

✨ निष्कर्ष

चाहे वह ब्लैंक वर्स की मुक्त और लयबद्ध कविता हो या ब्लूम्सबरी समूह की नवोन्मेषी सोच, दोनों ने अंग्रेजी साहित्य को एक नई दिशा देने में महत्त्वपूर्ण भूमिका निभाई है। एक ओर जहां ब्लैंक वर्स ने कविता को भाषाई बंधनों से मुक्त किया, वहीं दूसरी ओर ब्लूम्सबरी समूह ने सामाजिक और बौद्धिक सीमाओं को तोड़कर नए विचारों को जन्म दिया।


03 June, 2025

बीट आंदोलन और आत्मकथा-जीवनी: आधुनिक साहित्य की दो खास धाराएँ

 बीट आंदोलन और आत्मकथा-जीवनी: आधुनिक साहित्य की दो खास धाराएँ

Meta Description:

जानिए बीट आंदोलन के लेखक कौन थे, उनके विचार क्या थे और आत्मकथा व जीवनी साहित्य में कैसे अलग होती हैं। सरल हिंदी में पढ़ें बीट मूवमेंट और आत्मकथा-जीवनी की पूरी जानकारी।

बीट आंदोलन और आत्मकथा-जीवनी: सरल भाषा में समझिए आधुनिक साहित्य के दो खास रूप

1. बीट आंदोलन क्या था?

बीट लेखक एक ऐसे लेखक समूह को कहा जाता है जो 1950 और 1960 के दशक में अमेरिका में सक्रिय थे। ये लेखक समाज के नियमों, राजनीति और सांस्कृतिक ढांचे का विरोध करते थे।
वे आज़ादी से सोचने, बोलने और लिखने में विश्वास रखते थे। कई बार वे कॉफीहाउस में ड्रम और जैज़ संगीत के साथ कविताएँ पढ़ते थे।

बीट शब्द का मतलब:

  • पहला मतलब: पीड़ित – जैसे उस समय की सख्त संस्कृति से परेशान लोग।
  • दूसरा मतलब: धार्मिक अनुभूति – जैसे कोई गहरी आध्यात्मिक भावना।

प्रमुख बीट लेखक:

  • एलन गिन्सबर्ग – इनकी कविता Howl (1956) बहुत प्रसिद्ध है।
  • जैक केरुआक – इनका उपन्यास On the Road (1958) बीट आंदोलन का प्रतिनिधित्व करता है।
  • विलियम बरोज़, ग्रेगरी कोर्सो, और लॉरेंस फेरलिंगेट्टी भी इस आंदोलन से जुड़े थे।

प्रभाव:

बीट लेखक बौद्ध धर्म, यहूदी-ईसाई रहस्यवाद और मादक पदार्थों से प्रेरित थे। उनका प्रभाव 1960 और 70 के दशक के लेखकों पर पड़ा। आज उनकी रचनाओं को साहित्यिक मान्यता प्राप्त है।

2. आत्मकथा और जीवनी क्या है?

आत्मकथा (Autobiography):

जब कोई व्यक्ति खुद अपने जीवन की कहानी लिखता है, उसे आत्मकथा कहते हैं। यह उसकी सोच, अनुभव और जीवन के बारे में होती है।

प्रसिद्ध आत्मकथाएँ:

  • Confessions of St. Augustine (चौथी सदी) – आध्यात्मिक आत्मकथा
  • Essays – माइकल डी मोंटेन
  • Confessions – रूसो
  • The Autobiography of Malcolm X (1964)
  • The Prelude – वर्ड्सवर्थ (कविता के रूप में आत्मकथा)

आधुनिक आत्मकथा:

अब लेखक खुद को उपन्यासों में काल्पनिक नाम से शामिल करते हैं। जैसे:

  • The Woman Warrior – मैक्सीन हांग किंग्स्टन

जीवनी (Biography):

जब किसी व्यक्ति का जीवन कोई दूसरा व्यक्ति लिखता है, तो वह जीवनी कहलाती है। इसमें उस व्यक्ति का पूरा जीवन, उसके विचार, समाज में उसकी भूमिका और अनुभव बताए जाते हैं।

प्रसिद्ध जीवनी लेखक:

  • जॉन ड्रायडन – इन्होंने सबसे पहले जीवनी को “किसी खास व्यक्ति के जीवन का इतिहास” कहा।
  • प्राचीन जीवनी: Plutarch's Parallel Lives – ग्रीक और रोमन नेताओं पर आधारित।

3. आत्मकथा और जीवनी में अंतर

निष्कर्ष

बीट आंदोलन ने साहित्य में विद्रोह की भावना और आज़ादी की आवाज़ को जगह दी। वहीं आत्मकथा और जीवनी ने व्यक्ति के जीवन को साहित्य का हिस्सा बनाया। आज भी ये विधाएँ साहित्य में प्रेरणा का स्रोत हैं।


  • Keywords used: "बीट आंदोलन", "बीट लेखक", "आत्मकथा और जीवनी", "बीट मूवमेंट", "आधुनिक साहित्य"
  • Short paragraphs and subheadings used for readability.
  • Simple, clear Hindi for wider reach.
  • Copyright-free language with informative content.


11 May, 2025

बालाड (ballad) and its types

 बालाड (ballad):

लोकप्रिय बालाड (जिसे लोक बालाड या पारंपरिक बालाड भी कहा जाता है) की एक संक्षिप्त परिभाषा यह है कि यह एक गीत होता है, जो मौखिक रूप से प्रसारित किया जाता है और जो एक कहानी कहता है। बालाड आमतौर पर लोकगीतों (folk songs) की श्रेणी में आते हैं, जो मौखिक रूप से उत्पन्न हुए और अशिक्षित या आंशिक रूप से साक्षर लोगों के बीच प्रचलित थे। संभावना है कि किसी बालाड का प्रारंभिक संस्करण किसी एक व्यक्ति द्वारा रचा गया था, लेकिन वह व्यक्ति अज्ञात रहता है; और क्योंकि हर गायक जो एक मौखिक बालाड को सीखता और दोहराता है, वह इसके शब्दों और धुन में बदलाव करता है, इसलिए यह कई भिन्न रूपों में मौजूद रहता है। आमतौर पर, लोकप्रिय बालाड नाटकीय, संक्षिप्त और निरपेक्ष होते हैं: कथा किसी चरम बिंदु से शुरू होती है, कहानी को क्रियाओं और संवादों के माध्यम से संक्षेप में प्रस्तुत करती है (कभी-कभी केवल संवादों के माध्यम से), और इसे आत्म-विश्लेषण या भावनाओं के व्यक्तिगत अभिव्यक्तियों के बिना प्रस्तुत किया जाता है।

सबसे सामान्य पद्य संरचना—जिसे बालाड स्तैंज़ा कहा जाता है—एक चतुष्पदी होती है, जिसमें वैकल्पिक रूप से चार और तीन-स्वर लय (stress) की पंक्तियाँ होती हैं; आमतौर पर दूसरी और चौथी पंक्ति तुकबंदी करती हैं। यह "Sir Patrick Spens" की रचना में दिखाई देता है; पहली स्तैंज़ा यह भी दर्शाती है कि एक विशिष्ट बालाड कैसे अचानक शुरू होता है और तीसरे व्यक्ति द्वारा कहानी कहता है, संक्षिप्त सेटिंग और क्रिया, तेज़ बदलाव और सीमित संवाद के साथ:

The king sits in Dumferling towne,
Drinking the blude-red wine:
“O whar will I get a guid sailor,
To sail this schip of mine?”

कई बालाड निर्धारित सूत्रों का उपयोग करते हैं (जो गायक को गीत को याद रखने में मदद करते हैं), जैसे कि
(1) "blude-red wine" और "milk-white steed" जैसे विशेषणीय वाक्यांश,
(2) प्रत्येक स्तैंज़ा में एक पुनरावृत्ति (refrain) ("Edward," "Lord Randall"), और
(3) वृद्धिशील पुनरावृत्ति (incremental repetition), जिसमें कोई पंक्ति या स्तैंज़ा दोहराई जाती है, लेकिन एक ऐसा जोड़ करके जो कहानी को आगे बढ़ाता है ("Lord Randall," "Child Waters")।
Oral poetry देखें।

हालांकि अधिकांश पारंपरिक बालाड शायद मध्य युग के उत्तरार्ध में उत्पन्न हुए, उन्हें 18वीं शताब्दी तक एकत्र और मुद्रित नहीं किया गया—पहले इंग्लैंड में और फिर जर्मनी में।
1765 में, थॉमस पर्सी (Thomas Percy) ने Reliques of Ancient English Poetry प्रकाशित की, जो यद्यपि पर्सी के युग की शैली में संशोधित सामग्री से भरी थी, लेकिन इसने लोक साहित्य में व्यापक रुचि की शुरुआत की।
आधुनिक संग्रह का मूल आधार है फ्रांसिस जे. चाइल्ड (Francis J. Child) की English and Scottish Popular Ballads (1882–98), जिसमें 305 बालाड शामिल हैं, कई भिन्न संस्करणों में।
बर्ट्रेंड एच. ब्रॉनसन (Bertrand H. Bronson) ने The Traditional Tunes of the Child Ballads (4 खंड, 1959–72) को संपादित किया।
लोकप्रिय बालाड आज भी ब्रिटिश द्वीपों और अमेरिका के दूरदराज़ ग्रामीण क्षेत्रों में गाए जाते हैं।
अमेरिका में, जो प्रारंभिक उपनिवेशक ग्रेट ब्रिटेन से गीत लाए थे, वहां उन्होंने बालाड के देशज रूप विकसित किए—जैसे लकड़हारे, काउबॉय, मजदूर और सामाजिक कार्यकर्ता गाया करते थे।
बीसवीं सदी के कई लोक गायकों—वुडी गुथरी, बॉब डायलन, जोन बाएज़, और साइमन एंड गारफंकल—ने इन बालाड को अपनाया या खुद नए बालाड रचे। हालांकि उनमें से अधिकांश "The Ballad of..." प्रारूप में रहते हैं।

बालाड छंद

‘बॉनी और क्लाइड’ (एक कुख्यात गैंगस्टर और उसकी प्रेमिका की कहानी) पारंपरिक और वीर शैली की लोकप्रिय बालाड्स की तुलना में पत्रकारिता शैली की "ब्रॉडसाइड बालाड" के अधिक करीब हैं, जैसे कि Child collection में पाई जाती हैं।

ब्रॉडसाइड बालाड वह बालाड होती थी जो एक सिंगल शीट (जिसे "ब्रॉडसाइड" कहा जाता है) के एक तरफ छपी होती थी, और किसी समसामयिक घटना या व्यक्ति या मुद्दे से संबंधित होती थी, जिसे किसी प्रसिद्ध धुन पर गाया जाता था। सोलहवीं सदी से प्रारंभ होकर, इन ब्रॉडसाइड्स को ब्रिटेन में सड़कों या देशी मेलों में बेचा जाता था।

पारंपरिक बालाड ने गीत कविता की शैली और रूप को बहुत प्रभावित किया है। इसने साहित्यिक बालाड की परंपरा को भी जन्म दिया, जो एक कथात्मक कविता होती है, और पारंपरिक बालाड की भाषा, रूप, और आत्मा को अपनाकर जानबूझकर रचित होती है। जर्मनी में, कुछ प्रमुख साहित्यिक बालाड्स अठारहवीं सदी के उत्तरार्ध में लिखी गईं, जैसे कि जी. ए. बर्गर की प्रसिद्ध "लेनोरे" (1774) — जो एक अंग्रेजी अनुवाद में व्यापक रूप से पढ़ी और प्रभावशाली बनी — और गोएथे की "एरलकोनिग" (1782)। इंग्लैंड में, कुछ सबसे श्रेष्ठ साहित्यिक बालाड्स रोमांटिक युग में लिखी गईं: कोलरिज की "राइम ऑफ द एनशिएंट मरीनर" (हालांकि यह लंबी है और इसमें लोक बालाड की तुलना में कहीं अधिक जटिल कथानक है), वॉल्टर स्कॉट की "प्राउड मैसी", और कीट्स की "ला बेल डेम सान मर्सी"।

1798 की लिरिकल बैलाड्स में, वर्ड्सवर्थ "वी आर सेवन" से शुरुआत करते हैं, जिसमें वे कथावाचक को एक पात्र और प्रथम पुरुष में कहानी कहने वाला बनाते हैं — "मैं एक छोटी कुटिया की लड़की से मिला" — यही कारण है कि उन्होंने इस संग्रह को "लिरिकल बैलाड्स" नाम दिया।

कोलरिज की "एनशिएंट मरीनर", जिसका पहला संस्करण भी लिरिकल बैलाड्स में शामिल था, पारंपरिक बालाड की तीसरे पुरुष की कथा-शैली में एकदम सीधे और निर्जन तरीके से आरंभ होती है:

It is an ancient Mariner
And he stoppeth one of three....

संदर्भ:

  • जॉन ए. और एलन लोमैक्स, American Ballads and Folk Songs (1934)
  • डब्ल्यू. जे. सी. एंटविस्ल, European Balladry (1951)
  • एम. जे. सी. हॉगार्ट, The Ballads (1962)
  • डी. सी. फाउलर, A Literary History of the Popular Ballad (1968)
  • ब्रॉडसाइड बालाड के लिए देखें: The Common Muse, संपादक वी. डी. सोला पिंटो और एलन ई. रोडवे (1957)



04 May, 2025

अनुप्रास (Alliteration) and Consonance (व्यंजन अनुप्रास)

अनुप्रास (Alliteration) and Consonance (व्यंजन अनुप्रास)

अनुप्रास (Alliteration): "अनुप्रास" एक भाषण ध्वनि की पुनरावृत्ति है जो पास-पास के शब्दों में होती है। सामान्यतः यह शब्द केवल व्यंजनों पर लागू होता है, और तब ही जब पुनरावृत्त ध्वनि को जोर देकर बोला जाए क्योंकि यह शब्द की शुरुआत में या किसी शब्द के उच्चारित अक्षर पर होता है। पुराने अंग्रेज़ी के अनुप्रास छंद (alliterative meter) में, अनुप्रास पद्य रेखा का मुख्य आयोजन उपकरण था: पद्य रेखा में तुकबंदी नहीं होती थी; इसे दो भागों में बाँटा जाता था, जिनमें प्रत्येक में दो ज़ोरदार ध्वनियाँ होती थीं जिन्हें एक निर्णायक विराम (caesura) से अलग किया जाता था; और कम से कम एक, और अक्सर दोनों भागों की ज़ोरदार ध्वनियाँ एक जैसी व्यंजन ध्वनि से शुरू होती थीं। इस प्रकार के छंद में स्वर (vowel) को किसी भी अन्य स्वर से अनुप्रासित माना जाता था।

कुछ मिडिल इंग्लिश कविताएँ, जैसे विलियम लैंगलैंड की Piers Plowman और रोमांस Sir Gawain and the Green Knight, जो चौदहवीं सदी में लिखी गई थीं, पुराने अनुप्रास छंद पर आधारित थीं और उसमें विविधता लाकर उपयोग करती थीं। Piers Plowman की प्रारंभिक पंक्ति में, चारों ज़ोरदार ध्वनियाँ अनुप्रासित हैं:

In a sómer séson, when sóft was the sónne…
(एक ग्रीष्म ऋतु में, जब सूरज मृदु था...)

बाद के अंग्रेजी छंद में, अनुप्रास का उपयोग केवल विशेष शैलीगत प्रभावों के लिए किया जाता है, जैसे अर्थ को बल देना, संबंधित शब्दों को जोड़ना, या शब्दों के उच्चारण को प्रभावशाली बनाना। इसका एक उदाहरण शेक्सपियर की सॉनेट 30 में s, th, w व्यंजनों की पुनरावृत्ति है:

When to the sessions of sweet silent thought
I summon up remembrance of things past,
I sigh the lack of many a thing I sought
And with old woes new wail my dear time’s waste…

भाषण ध्वनियों की अन्य पुनरावृत्तियों की पहचान विशेष शब्दों से होती है:

Consonance (व्यंजन अनुप्रास) दो या अधिक व्यंजनों की एक श्रृंखला की पुनरावृत्ति होती है, लेकिन मध्यवर्ती स्वर में परिवर्तन के साथ। उदाहरण: live-love, lean-alone, pitter-patter। W. H. Auden की 1930 के दशक की कविता “O where are you going?” में इसका उल्लेखनीय उपयोग हुआ है, जैसे पंक्तियाँ समाप्त होती हैं "rider to reader", "farer to fearer", "hearer to horror"।

Assonance (स्वर अनुप्रास) पास-पास के शब्दों में एक जैसे या समान स्वरों की पुनरावृत्ति होती है—विशेष रूप से ज़ोरदार अक्षरों में। कीट्स की कविता "Ode on a Grecian Urn" की प्रारंभिक पंक्तियों में दीर्घ i स्वर की पुनरावृत्ति पर ध्यान दें:

Thou still unravish’d bride of quietness,
Thou foster child of silence and slow time…


अल्यूज़न (Allusion): "अल्यूज़न" एक अप्रत्यक्ष संकेत है, जिसमें किसी साहित्यिक या ऐतिहासिक व्यक्ति, स्थान, घटना या किसी अन्य साहित्यिक कृति या अंश का स्पष्ट उल्लेख किए बिना ही उसका संकेत दिया जाता है।

जैसे कि एलिजाबेथन लेखक थॉमस नैश की कविता “Litany in Time of Plague” की पंक्तियाँ:

Brightness falls from the air,  
Queens have had young and fair,  
Dust hath closed Helen’s eye,

यहाँ अंतिम पंक्ति में "Helen" का उल्लेख ट्रॉय की हेलेन की ओर संकेत करता है। अधिकांश अल्यूज़न किसी विषय को विस्तारित करने या उसे स्पष्ट करने के लिए उपयोग किए जाते हैं, परंतु कुछ अल्यूज़न विडंबनात्मक होते हैं, क्योंकि उनमें उल्लेखित विषय और उसका संदर्भ एक-दूसरे से मेल नहीं खाते।

जैसे कि टी.एस. एलियट की “The Waste Land” (1922) की पंक्तियों में एक आधुनिक महिला का वर्णन है:

The Chair she sat in, like a burnish’d throne,  
Glowed on the marble,

यह विडंबनात्मक अल्यूज़न शेक्सपियर की पंक्तियों की नकल करता है, जिसमें Antony and Cleopatra (II. ii. 196ff) में क्लियोपैट्रा के शानदार जहाज़ का वर्णन है:

The barge she sat in, like a burnish’d throne,  
Burn’d on the water.

यदि आप ऐसे कवियों पर चर्चा करना चाहते हैं जो अल्यूज़न का जटिल और लगातार उपयोग करते हैं, तो इन पुस्तकों को देखें:

  • रूबेन ए. ब्रॉवर की Alexander Pope: The Poetry of Allusion (1959)
  • जॉन होलैंडर की The Figure of Echo: A Mode of Allusion in Milton and After (1981)
  • क्रिस्टोफर रिक्स की Allusion to the Poets (2002)
  • True Friendship: Geoffrey Hill, Anthony Hecht, and Robert Lowell Under the Sign of Eliot and Pound (2010)

चूंकि अल्यूज़न स्पष्ट रूप से नहीं बताए जाते, वे लेखक और पाठकों के बीच साझा ज्ञान पर निर्भर करते हैं। अधिकतर साहित्यिक अल्यूज़न शिक्षित पाठकों के लिए होते हैं, पर कुछ विशेष पाठकों के लिए भी बनाए जाते हैं।

उदाहरणस्वरूप, Astrophel and Stella, एलिजाबेथन सॉनेट श्रृंखला में, सर फिलिप सिडनी ने लॉर्ड रॉबर्ट रिच को लेकर शब्दों से खेलने वाले अल्यूज़न किए हैं, जिन्होंने स्टेला (प्यारी) से विवाह किया था।



03 May, 2025

रूपक (Allegory) and एक दंतकथा ( apologue )

रूपक (Allegory): एक "रूपक" एक ऐसा आख्यान होता है, चाहे वह गद्य में हो या पद्य में, जिसमें पात्र और क्रियाएं, और कभी-कभी परिवेश भी, लेखक द्वारा इस प्रकार गढ़े जाते हैं कि वे "शाब्दिक" या प्राथमिक अर्थ में समझ में आएं, और साथ ही साथ एक द्वितीयक, सम्बंधित अर्थ या संकेत भी संप्रेषित करें।


हम दो मुख्य प्रकारों को भेद सकते हैं:

(1) ऐतिहासिक और राजनीतिक रूपक, जिसमें पात्र और क्रियाएं शाब्दिक रूप से संकेतित होती हैं, लेकिन वे ऐतिहासिक व्यक्तित्वों और घटनाओं का प्रतिनिधित्व करती हैं, या कहें उन्हें "रूपक रूप में प्रस्तुत" करती हैं। उदाहरण के लिए, जॉन ड्रायडन की Absalom and Achitophel (1681) में, बाइबिल के राजा डेविड इंग्लैंड के राजा चार्ल्स द्वितीय का प्रतिनिधित्व करते हैं; अब्सालोम उनके पुत्र ड्यूक ऑफ मॉनमाउथ का प्रतिनिधित्व करते हैं, और अब्सालोम की अपने पिता के विरुद्ध विद्रोह की बाइबिल कथा (2 शमूएल 13–18) राजा चार्ल्स के विरुद्ध मॉनमाउथ के विद्रोह का रूपक बन जाती है।

(2) विचारों का रूपक, जिसमें शाब्दिक पात्र विचारों का प्रतिनिधित्व करते हैं और कथा एक अमूर्त सिद्धांत या विषय को रूपक रूप में प्रस्तुत करती है।


दोनों प्रकार के रूपक या तो पूरे काव्य या गद्य में व्याप्त हो सकते हैं, जैसे Absalom and Achitophel और जॉन बुन्यान की The Pilgrim’s Progress (1678) में, या किसी गैर-रूपक आख्यान में एक प्रकरण के रूप में प्रकट हो सकते हैं।

काम का एक प्रसिद्ध उदाहरण एपिसोडिक एलिगरी (रूपक कथा) का शैतान के अपनी बेटी 'पाप' से मिलने का प्रसंग है, साथ ही 'मृत्यु' का भी — जो जॉन मिल्टन की Paradise Lost, द्वितीय पुस्तक (1667) में प्रतीकात्मक रूप से उनके पुत्र के रूप में प्रस्तुत किया गया है, जो उनके आपसी अनैतिक संबंध से उत्पन्न हुआ था।

दूसरे प्रकार में, विचारों की स्थायी एलिगरी में, मुख्य उपकरण है अमूर्त तत्वों जैसे कि सद्गुण, दोष, मन की अवस्थाएँ, जीवन की शैलियाँ, और चरित्रों के प्रकारों का मानवीकरण (personification)। स्पष्ट रूपकों में, ऐसे संदर्भ उन नामों द्वारा निर्दिष्ट होते हैं जो पात्रों और स्थानों को दिए जाते हैं। इस प्रकार, बन्यन की The Pilgrim’s Progress ईसाई उद्धार के सिद्धांत को रूपक के माध्यम से स्पष्ट करता है, जिसमें पात्र 'क्रिश्चियन' नामक है, जिसे 'इवैंजेलिस्ट' चेतावनी देता है। वह 'City of Destruction' से भागता है और कठिनाई से 'Celestial City' की ओर बढ़ता है; रास्ते में वह 'Faithful', 'Hopeful', और 'Giant Despair' जैसे नामों वाले पात्रों से मिलता है, और 'Slough of Despond', 'Valley of the Shadow of Death', और 'Vanity Fair' जैसे स्थानों से गुजरता है। इस कार्य से लिया गया एक अंश स्पष्ट रूपक कथा की प्रकृति को दर्शाता है:

 "जब क्रिश्चियन अकेला यात्रा कर रहा था, तभी उसने एक व्यक्ति को दूर से आते देखा; और उनकी किस्मत थी कि वे एक-दूसरे के रास्ते में मिल गए। उस व्यक्ति का नाम था 'Mr. Worldly–Wiseman'; वह 'Carnal-Policy' नामक नगर में रहता था, जो एक बहुत बड़ा नगर था, और वहीं से क्रिश्चियन आया था।"

ऐसे कार्य जो मुख्यतः गैर-रूपक होते हैं, वे भी रूपकात्मक छवियों (allegorical imagery) का उपयोग कर सकते हैं — अमूर्त तत्वों का मानवीकरण करके। इसके कुछ प्रसिद्ध उदाहरण हैं मिल्टन की L'Allegro और Il Penseroso की शुरुआती पंक्तियाँ (1645)। इस युक्ति का प्रयोग अठारहवीं सदी के मध्य के कुछ लेखकों ने काव्यात्मक दृष्टिकोण से किया। एक उदाहरण — इतना संक्षिप्त कि यह एक कार्य की बजाय रूपकात्मक चित्र बनाता है — थॉमस ग्रे की कविता Elegy Written in a Country Churchyard (1751) की यह पंक्ति है:

 "क्या सम्मान की आवाज़ मृत ध्वनि को जगा सकती है,

या चापलूसी मृत्यु की ठंडी गुफा को शांत कर सकती है?"


एलिगरी एक कथात्मक रणनीति है, जिसे किसी भी साहित्यिक रूप या शैली में प्रयोग किया जा सकता है। सोलहवीं सदी की शुरुआत में Everyman नैतिक नाटक (morality play) के रूप में एक एलिगरी है। The Pilgrim’s Progress एक नैतिक और धार्मिक एलिगरी है गद्य रूप में; एडमंड स्पेंसर की The Faerie Queene (1590–96) नैतिक, धार्मिक, ऐतिहासिक, और राजनीतिक एलिगरी को पद्य रूप में जोड़ती है; जोनाथन स्विफ्ट की Gulliver’s Travels, विशेषकर लापुटा और लगाडो की यात्रा (1726), एक एलिगॉरिकल satire है जो दार्शनिक और वैज्ञानिक पांडित्य की आलोचना करता है; और विलियम कॉलिन्स की Ode on the Poetical Character (1747) एक lyric कविता है, जो साहित्यिक आलोचना में एक विषय को रूपक रूप में प्रस्तुत करती है — यह कवि की रचनात्मक कल्पना, स्रोतों, और रचनात्मक शक्ति का प्रतीक है। जॉन कीट्स अपनी कविता To Autumn (1820) में बहुत ही सूक्ष्म रूप से एलिगरी का उपयोग करते हैं, जिसमें वह दूसरी पंक्ति से शरद ऋतु को एक महिला आकृति के रूप में व्यक्त करते हैं जो कटाई के मौसम और गतिविधियों में शामिल होती है।

मध्य युग में स्थायी एलिगरी एक प्रिय रूप थी, विशेषकर dream vision की पद्यात्मक शैली में जब इसने उत्कृष्ट कृतियाँ प्रस्तुत कीं।

एक दंतकथा (जिसे apologue भी कहा जाता है) एक छोटी कथा होती है, गद्य या पद्य में, जो किसी अमूर्त नैतिक विचार या मानव व्यवहार के सिद्धांत को उदाहरण के रूप में प्रस्तुत करती है; आमतौर पर, इसके अंत में, कथावाचक या पात्र कोई नैतिकता प्रस्तुत करते हैं (एक उपदेशात्मक वाक्य के रूप में)। सबसे सामान्य दंतकथाएं जानवरों की होती हैं, जिसमें जानवर मानव प्रकारों का प्रतिनिधित्व करते हुए बात करते हैं और व्यवहार करते हैं। अंगूर और लोमड़ी की प्रसिद्ध कथा में, लोमड़ी – सारी कोशिशों के बाद भी – अंगूर तक नहीं पहुंच पाती, जो उसके पहुंच से बाहर लटके होते हैं, और अंततः निष्कर्ष निकालती है कि शायद वे खट्टे ही होंगे; स्पष्ट नैतिक शिक्षा यह है कि मनुष्य वही चीज़ों को तुच्छ समझते हैं जिन्हें वे प्राप्त नहीं कर सकते। (आधुनिक मुहावरा “खट्टे अंगूर” इसी कथा से निकला है।)

जानवरों की दंतकथा मिस्र, भारत और यूनान में एक बहुत प्राचीन रूप है। पश्चिमी संस्कृतियाँ अधिकतर उन कथाओं से जुड़ी हैं जो संभवतः मिस्र में उत्पन्न हुई थीं, परन्तु जिन्हें यूनानी लेखक ईसप (Aesop), जो छठी शताब्दी ईसा पूर्व का एक दास था, ने प्रसिद्ध किया। सत्रहवीं शताब्दी में एक फ्रांसीसी लेखक, जीन डी ला फॉन्टेन, ने पद्य में कई दंतकथाएं लिखीं, जो इस साहित्यिक विधा की उत्कृष्ट रचनाएं मानी जाती हैं। चॉसर की “The Nun’s Priest’s Tale,” मुर्गे और लोमड़ी की कहानी, एक दंतकथा है।

अमेरिकी लेखक जोएल चैंडलर हैरिस ने कई "Uncle Remus" कहानियां लिखीं, जो जानवरों की दंतकथाएं थीं, दक्षिणी अफ्रीकी-अमेरिकी बोली में कही जाती थीं, जिनकी उत्पत्ति पश्चिम अफ्रीका की मौखिक परंपराओं की लोककथाओं से मानी जाती है, जिनमें चतुर पात्र होते हैं जैसे "Uncle Remus" का ब्रेयर रैबिट (Br’er Rabbit)। (एक trickster वह पात्र होता है जो अपनी चालाकी और बातों की कला से लक्ष्य प्राप्त करता है, जैसे कि दूसरों को चकमा देना या मात देना)। कई स्वदेशी अमेरिकी संस्कृतियों में कोयोट (Coyote) को केंद्र में रखी गई दंतकथाएं हैं, जो trickster के रूप में होते हैं।

1940 में, जेम्स थर्बर ने Fables for Our Time शीर्षक से दंतकथाओं का एक संग्रह प्रकाशित किया। 1945 में, जॉर्ज ऑरवेल ने Animal Farm में जानवरों की दंतकथा को विस्तारित करते हुए स्टालिन के अधीन रूस में साम्यवाद पर एक व्यंग्यात्मक आलोचना में रूपांतरित किया।

एक दंतकथा (जिसे apologue भी कहा जाता है) एक छोटी कथा होती है, गद्य या पद्य में, जो किसी अमूर्त नैतिक विचार या मानव व्यवहार के सिद्धांत को उदाहरण के रूप में प्रस्तुत करती है; आमतौर पर, इसके अंत में, कथावाचक या पात्र कोई नैतिकता प्रस्तुत करते हैं (एक उपदेशात्मक वाक्य के रूप में)। सबसे सामान्य दंतकथाएं जानवरों की होती हैं, जिसमें जानवर मानव प्रकारों का प्रतिनिधित्व करते हुए बात करते हैं और व्यवहार करते हैं। अंगूर और लोमड़ी की प्रसिद्ध कथा में, लोमड़ी – सारी कोशिशों के बाद भी – अंगूर तक नहीं पहुंच पाती, जो उसके पहुंच से बाहर लटके होते हैं, और अंततः निष्कर्ष निकालती है कि शायद वे खट्टे ही होंगे; स्पष्ट नैतिक शिक्षा यह है कि मनुष्य वही चीज़ों को तुच्छ समझते हैं जिन्हें वे प्राप्त नहीं कर सकते। (आधुनिक मुहावरा “खट्टे अंगूर” इसी कथा से निकला है।)

जानवरों की दंतकथा मिस्र, भारत और यूनान में एक बहुत प्राचीन रूप है। पश्चिमी संस्कृतियाँ अधिकतर उन कथाओं से जुड़ी हैं जो संभवतः मिस्र में उत्पन्न हुई थीं, परन्तु जिन्हें यूनानी लेखक ईसप (Aesop), जो छठी शताब्दी ईसा पूर्व का एक दास था, ने प्रसिद्ध किया। सत्रहवीं शताब्दी में एक फ्रांसीसी लेखक, जीन डी ला फॉन्टेन, ने पद्य में कई दंतकथाएं लिखीं, जो इस साहित्यिक विधा की उत्कृष्ट रचनाएं मानी जाती हैं। चॉसर की “The Nun’s Priest’s Tale,” मुर्गे और लोमड़ी की कहानी, एक दंतकथा है।

अमेरिकी लेखक जोएल चैंडलर हैरिस ने कई "Uncle Remus" कहानियां लिखीं, जो जानवरों की दंतकथाएं थीं, दक्षिणी अफ्रीकी-अमेरिकी बोली में कही जाती थीं, जिनकी उत्पत्ति पश्चिम अफ्रीका की मौखिक परंपराओं की लोककथाओं से मानी जाती है, जिनमें चतुर पात्र होते हैं जैसे "Uncle Remus" का ब्रेयर रैबिट (Br’er Rabbit)। (एक trickster वह पात्र होता है जो अपनी चालाकी और बातों की कला से लक्ष्य प्राप्त करता है, जैसे कि दूसरों को चकमा देना या मात देना)। कई स्वदेशी अमेरिकी संस्कृतियों में कोयोट (Coyote) को केंद्र में रखी गई दंतकथाएं हैं, जो trickster के रूप में होते हैं।

1940 में, जेम्स थर्बर ने Fables for Our Time शीर्षक से दंतकथाओं का एक संग्रह प्रकाशित किया। 1945 में, जॉर्ज ऑरवेल ने Animal Farm में जानवरों की दंतकथा को विस्तारित करते हुए स्टालिन के अधीन रूस में साम्यवाद पर एक व्यंग्यात्मक आलोचना में रूपांतरित किया।

दृष्टांत (Parable) एक बहुत ही संक्षिप्त कथा होती है जिसमें मानव अनुभवों को इस तरह प्रस्तुत किया जाता है कि वे किसी सामान्य उपदेश या शिक्षा के रूप में एक निहित समानता या तात्कालिक तुलना को उजागर करें, जिसे कथाकार श्रोताओं तक पहुँचाना चाहता है। यह दृष्टांत यीशु द्वारा शिक्षक के रूप में अक्सर उपयोग किया जाता था; उदाहरणस्वरूप अच्छे सामरी और खोए हुए पुत्र की दृष्टांत कथाएँ। नीचे बाइबल (लूका 13:6-9) से अंजीर के पेड़ की दृष्टांत दी गई है:

 उसने यह दृष्टांत कहा: एक मनुष्य के अंगूर के बाग में एक अंजीर का पेड़ लगाया गया; और वह उसमें फल खोजने आया, पर कुछ न पाया। तब उसने माली से कहा, देख, यह तीसरा वर्ष है, मैं इस अंजीर के पेड़ में फल खोजने आता हूँ, पर कुछ नहीं पाता: इसे काट डाल; यह भूमि को क्यों व्यर्थ करता है? उसने उत्तर दिया, हे स्वामी, इस वर्ष भी उसे रहने दे, जब तक मैं उसके चारों ओर खोदकर खाद न डाल दूँ। यदि भविष्य में वह फल लाए, तो अच्छा है: अन्यथा, तू उसे काट देना।

मार्क टर्नर, इस विचार को विस्तार देते हुए, "parable" शब्द को किसी भी कथा को दूसरी पर प्रक्षिप्त (projection) करने के रूप में प्रयोग करते हैं, चाहे वह जानबूझकर हो या नहीं। उनका प्रस्ताव है कि इस विस्तारित अर्थ में, दृष्टांत केवल शैक्षणिक या नैतिक उपकरण नहीं है, बल्कि एक "मूलभूत संज्ञानात्मक सिद्धांत" है, जो हमारे अनुभव के हर स्तर की व्याख्या में कार्य करता है। यह सरल कहानियों से लेकर साहित्यिक रचनाओं तक हर जगह दिखाई देता है — जैसे प्राउस्ट की À la recherche du temps perdu। (Mark Turner, The Literary Mind, 1996)

उदाहरण (Exemplum) एक ऐसी कहानी होती है जिसे किसी सामान्य विषय के विशेष उदाहरण के रूप में सुनाया जाता है, विशेषतः धार्मिक उपदेश में। यह तकनीक मध्य युग में लोकप्रिय थी, जब उपदेशकों के लिए ऐतिहासिक या काल्पनिक उदाहरणों का संग्रह तैयार किया जाता था। चौसर की The Pardoner's Tale में, "लोभ सभी बुराइयों की जड़ है" विषय पर उपदेश देते हुए, तीन शराबी पात्रों की कहानी एक उदाहरण के रूप में दी जाती है, जो मृत्यु को मारने निकलते हैं और अंततः लोभ के कारण एक-दूसरे को मार डालते हैं। "उदाहरण" शब्द का प्रयोग औपचारिक, धर्मनिरपेक्ष उपदेशों के लिए भी किया जाता है। उदाहरणस्वरूप, चौसर की The Nun's Priest’s Tale में, चांटिक्लेयर अपनी पत्नी डेम पर्टेलोट को दस उदाहरणों के माध्यम से मनाने की कोशिश करता है कि बुरे सपने दुर्भाग्य का संकेत देते हैं। (G. R. Owst, Literature and the Pulpit in Medieval England, 2nd ed., 1961)

सूक्तियाँ (Proverbs) संक्षिप्त कथन होते हैं जो जीवन की सामान्य सच्चाइयों को व्यक्त करते हैं। कई सूक्तियाँ रूपकात्मक होती हैं, जहाँ स्पष्ट कथन का उद्देश्य होता है किसी व्यापक सत्य का संकेत देना, जैसे: “समय पर टाँका नौ टाँकों को बचाता है”; “जो शीशे के घर में रहते हैं, उन्हें दूसरों पर पत्थर नहीं फेंकने चाहिए।” (संदर्भ: The Oxford Dictionary of English Proverbs, संपादक: W. G. Smith और F. P. Wilson, 1970)

देखें: didactic, symbol (रूपक और प्रतीक के बीच अंतर); साथ ही बाइबल की रूपकात्मक व्याख्या — interpretation: typological and allegorical।

रूपक (allegory) पर अधिक जानकारी के लिए:

C. S. Lewis, The Allegory of Love (1936)

Edwin Honig, Dark Conceit: The Making of Allegory (1959)

Angus Fletcher, Allegory: The Theory of a Symbolic Mode (1964) Rosemund...

"टूव, एलिगॉरिकल इमेजरी (1966); माइकल मुर्रिन, द वेल ऑफ एलिगोरी (1969); मरीन क्विलिगन, द लैंग्वेज ऑफ एलिगोरी (1979); जॉन व्हिटमैन, एलिगोरी (1987)।








02 May, 2025

अफेक्टिव फेलसी (Affective Fallacy) और विच्छेदन प्रभाव (alienation effect)

 अफेक्टिव फेलसी (Affective Fallacy)  और विच्छेदन प्रभाव (alienation effect)

अफेक्टिव फेलसी (Affective Fallacy): 1946 में प्रकाशित एक निबंध में, डब्ल्यू. के. विमसैट और मोनरो सी. बीयर्ड्सली ने अफेक्टिव फेलसी को कविता का मूल्यांकन उसके प्रभावों — विशेष रूप से पाठक पर उसके भावनात्मक प्रभाव — के आधार पर करने की गलती के रूप में परिभाषित किया। इस भ्रांति के कारण “कविता स्वयं, एक विशेष आलोचनात्मक निर्णय की वस्तु के रूप में, गायब हो जाती है,” जिससे आलोचना “प्रभाववाद और सापेक्षवाद” में समाप्त हो जाती है। इन दोनों आलोचकों ने आई. ए. रिचर्ड्स के दृष्टिकोण के विरुद्ध प्रतिक्रिया में लिखा, जिन्होंने अपनी प्रसिद्ध पुस्तक प्रिंसिपल्स ऑफ लिटरेरी क्रिटिसिज्म (1923) में यह विचार प्रस्तुत किया था कि कविता का मूल्य पाठकों में उत्पन्न होने वाली मनोवैज्ञानिक प्रतिक्रियाओं से मापा जा सकता है। बाद में बीयर्ड्सली ने अपने पहले के कथन में संशोधन करते हुए यह स्वीकार किया कि “ऐसा प्रतीत नहीं होता कि सौंदर्य वस्तुओं के प्रभाव को छोड़कर किसी अन्य प्रकार के प्रभावों से आलोचनात्मक मूल्यांकन किया जा सकता है।” इस संशोधन के बाद यह सिद्धांत यह रूप ले लेता है कि आलोचक को आलोचना करते समय प्रभावों का वर्णन करने के बजाय, ऑब्जेक्टिव क्रिटिसिज्म का समर्थन करना चाहिए, जिसमें रचना की विशेषताओं, उपकरणों और रूप पर ध्यान केंद्रित किया जाता है, जिनसे ये प्रभाव उत्पन्न होते हैं। इस सिद्धांत के विरुद्ध एक चरम प्रतिक्रिया 1970 के दशक में रीडर-रिस्पॉन्स क्रिटिसिज्म के रूप में सामने आई।

विमसैट और बीयर्ड्सली के निबंध “The Affective Fallacy,” को देखें, जो The Verbal Icon (1954) में प्रकाशित हुआ है; और मोनरो सी. बीयर्ड्सली की पुस्तक Aesthetics: Problems in the Philosophy of Criticism (1958), पृष्ठ 491 और अध्याय 11 में भी देखें। विमसैट और बीयर्ड्सली की संबंधित अवधारणा इंटेंशनल फेलसी (intentional fallacy) पर भी ध्यान दें।

विच्छेदन प्रभाव (alienation effect)

विच्छेदन प्रभाव (alienation effect): 1920 के दशक और उसके बाद के समय में, जर्मन नाटककार बर्टोल्ट ब्रेख्त ने रूसी औपचारिकतावादी (Russian formalist) अवधारणा "अजनबीकरण" (defamiliarization) को अपने "विच्छेदन प्रभाव" (Verfremdungseffekt) में रूपांतरित किया। इस जर्मन शब्द का अनुवाद अजनबीकरण प्रभाव (estrangement effect) या दूरी प्रभाव (distancing effect) के रूप में भी किया गया है; जिनमें से "दूरी प्रभाव" ब्रेख्त की अवधारणा के सबसे करीब है, क्योंकि यह उस नकारात्मक अर्थ से बचता है जो अंग्रेज़ी में "alienation" (विच्छेदन) शब्द से जुड़ा होता है, जैसे भावनात्मक शून्यता और सामाजिक उदासीनता।

इस प्रभाव का उपयोग, ब्रेख्त के अनुसार, नाटककार द्वारा इस उद्देश्य से किया जाता है कि वर्तमान सामाजिक वास्तविकता के परिचित पक्ष अजीब लगें, ताकि दर्शक पात्रों और उनके कार्यों से भावनात्मक रूप से जुड़ न सकें। ब्रेख्त का उद्देश्य यह नहीं था कि दर्शक केवल महसूस करें, बल्कि वह दर्शकों में एक आलोचनात्मक दूरी और दृष्टिकोण जगाना चाहते थे, ताकि वे मंच पर प्रस्तुत समाज और व्यवहार को केवल स्वीकार न करें, बल्कि उसके खिलाफ सोचें और प्रतिक्रिया दें।

ब्रेख्त के बारे में अधिक जानकारी के लिए देखें: Marxist criticism; एक संबंधित सौंदर्यशास्त्रीय अवधारणा के लिए देखें: distance and involvement.



25 April, 2025

एस्थेटिक आइडियोलॉजी (Aesthetic Ideology) और एस्थेटिसिज़्म (Aestheticism) का हिंदी अनुवाद:

 एस्थेटिक आइडियोलॉजी (Aesthetic Ideology) और एस्थेटिसिज़्म (Aestheticism) का हिंदी अनुवाद:

एस्थेटिक आइडियोलॉजी:
"एस्थेटिक आइडियोलॉजी" एक शब्द है जिसका उपयोग उत्तरवर्ती लेखन में डिकंस्ट्रक्टिव सिद्धांतकार पॉल डी मैन ने किया। इसका उपयोग उन्होंने सौंदर्य अनुभव की उस "प्रलोभक" अपील को दर्शाने के लिए किया, जिसमें, उनके अनुसार, रूप और अर्थ, अनुभूति और समझ, और संज्ञान और इच्छा को भ्रामक और कभी-कभी खतरनाक रूप से एक साथ मिला दिया जाता है। डी मैन ने एस्थेटिक आइडियोलॉजी की जड़ें फ्रेडरिक शिलर की पुस्तक लेटर्स ऑन द एस्थेटिक एजुकेशन ऑफ मैन (1795) में खोजी, जिसमें एक ऐसी प्रक्रिया का वर्णन है जो अंततः एक "एस्थेटिक स्टेट" का निर्माण करती है। डी मैन का तर्क है कि यह विचार जोसेफ गोएबल्स के "राज्य की प्लास्टिक कला" की अवधारणा की पूर्वधारणा जैसा है।

डी मैन के अनुसार, एस्थेटिक की अवधारणा केवल कला नहीं, बल्कि राजनीति और संस्कृति के सभी ऑर्गैनिक दृष्टिकोणों का प्रतिनिधित्व करने लगी। उन्होंने तर्क दिया कि साहित्य का अनुभव एस्थेटिक आइडियोलॉजी के उस प्रलोभन को कम कर देता है जो इंद्रिय अनुभव को समझ के साथ भ्रमित करता है, क्योंकि साहित्य दुनिया को इस प्रकार प्रस्तुत करता है कि न अर्थ और न ही इंद्रिय अनुभव सीधे तौर पर समझ में आता है।

(संदर्भ: Paul de Man, Aesthetic Ideology (1996); Marc Redfield, Phantom Formations: Aesthetic Ideology and the Bildungsroman (1996))

टैरी ईगलटन की दृष्टि:
मार्क्सवादी विचारक टैरी ईगलटन ने The Ideology of the Aesthetic (1990) में "एस्थेटिक" की एक ऐतिहासिक समीक्षा और आलोचना की। उन्होंने इस विचार में मौजूद कई "वैचारिक विकृतियों" की पहचान की, लेकिन डी मैन के विपरीत, उन्होंने इसमें "मुक्तिकारी" संभावनाएं भी देखीं। उन्होंने यह इंगित किया कि यह अवधारणा मूलतः स्वतंत्रता और आनंद के संदर्भ में व्यक्त की गई थी।

(संदर्भ: George Levine, संपादक, Aesthetics and Ideology, 1994)


एस्थेटिसिज़्म (Aestheticism):
जर्मन दार्शनिक अलेक्जेंडर बाउमगार्टन ने अपने लैटिन ग्रंथ Aesthetica (1750) में "एस्थेटिका" शब्द का उपयोग कला के लिए किया। उनके अनुसार, "एस्थेटिक का उद्देश्य इंद्रिय संज्ञान की परिपूर्णता है; यही सुंदरता है।" आजकल "एस्थेटिक्स" शब्द का प्रयोग सभी ललित कलाओं के अध्ययन तथा किसी भी प्राकृतिक या कृत्रिम वस्तु में सौंदर्य के अध्ययन के लिए होता है।

एस्थेटिसिज़्म, जिसे "एस्थेटिक मूवमेंट" भी कहा जाता है, उन्नीसवीं शताब्दी के उत्तरार्ध में एक यूरोपीय आंदोलन था, जिसका केंद्र मुख्यतः फ्रांस में था। यह आंदोलन विज्ञान के प्रभुत्व और उस मध्यवर्गीय समाज की नैतिकतावादी दृष्टिकोण के विरुद्ध खड़ा हुआ, जो उपयोगिता या नैतिक शिक्षा के बिना किसी भी कला को महत्व नहीं देता था।

इस आंदोलन का प्रमुख नारा बना: "l'art pour l'art" — "कला केवल कला के लिए"। इस आंदोलन की जड़ें इमैनुएल कांट के Critique of Judgment (1790) में हैं, जिसमें उन्होंने "निर्लिप्त" सौंदर्य अनुभव की बात की — एक ऐसा अनुभव जो किसी वस्तु को उसके अपने सौंदर्य के लिए देखा जाए, बिना किसी नैतिक या उपयोगितावादी संदर्भ के।

थियोफिल गोटिये (Théophile Gautier) ने इस विचार को मज़ाकिया अंदाज़ में बढ़ावा दिया, कि कला व्यर्थ है, लेकिन फिर भी मूल्यवान। बाद में यह आंदोलन चार्ल्स बॉदलेयर, एडगर एलन पो, फ्लॉबेयर और मलार्मे जैसे लेखकों द्वारा और विकसित हुआ। चरम रूप में, यह विचार कि "कला जीवन से ऊपर है," एक नैतिक और अर्ध-धार्मिक सिद्धांत बन गया, जिसमें जीवन को एक कलाकृति के रूप में जीने की वकालत की गई।

यह विचार विक्टोरियन इंग्लैंड में वॉल्टर पैटर के माध्यम से पहुँचा, जिन्होंने उच्च कोटि की शैली और कला के लिए प्रेम को जीवन का लक्ष्य माना। ऑस्कर वाइल्ड, स्विनबर्न, आर्थर साइमन, लायनेल जॉनसन जैसे लेखकों और जे. एम. व्हिस्लर व ऑब्रे बीयर्ड्सली जैसे कलाकारों ने इस आंदोलन को और बल दिया।

बीसवीं शताब्दी में डब्ल्यू. बी. यीट्स, टी. एस. एलियट और न्यू क्रिटिक्स जैसे साहित्यकारों ने भी एस्थेटिसिज़्म के विचारों — जैसे कलाकृति की आत्मनिर्भरता, शैलीगत कुशलता, और आंतरिक मूल्य — को अपनाया।

संबंधित विषयों के लिए देखें: aesthetic ideology, decadence, fine arts, ivory tower।

महत्वपूर्ण ग्रंथ और लेख:

  • William Gaunt, The Aesthetic Adventure (1945)
  • Frank Kermode, Romantic Image (1957)
  • Enid Starkie, From Gautier to Eliot (1960)
  • R. V. Johnson, Aestheticism (1969)
  • M. H. Abrams, Art-as-Such: The Sociology of Modern Aesthetics (1989)
  • Richard Wollheim, Art and Its Objects (1980)
  • Eric Warner & Graham Hough (eds.), Strangeness and Beauty: An Anthology of Aesthetic Criticism (1983)
  • Sally Ledger & Roger Luckhurst (eds.), The Fin de Siècle: A Reader in Cultural History (2000)


22 April, 2025

अकादमिक उपन्यास: कॉलेज और विश्वविद्यालय जीवन की कहानी

 अकादमिक उपन्यास: कॉलेज और विश्वविद्यालय जीवन की कहानी

अकादमिक उपन्यास, जिसे यूनिवर्सिटी उपन्यास या कैंपस उपन्यास भी कहा जाता है, ऐसे उपन्यास होते हैं जो मुख्य रूप से कॉलेज या विश्वविद्यालय के वातावरण में घटित होते हैं। इन कहानियों के मुख्य पात्र आमतौर पर शिक्षक या प्रोफेसर होते हैं, जो अक्सर अंग्रेज़ी विभाग से जुड़े होते हैं। ये उपन्यास रहस्य कथाओं जैसे हो सकते हैं, लेकिन इनमें अपराध या हत्या की जगह कॉलेज जीवन की गंभीर या हास्यपूर्ण बातें दिखाई जाती हैं।

अकादमिक उपन्यास की खास बातें

अकादमिक उपन्यास की सबसे खास बात इसका सीमित और बंद वातावरण होता है। जैसे रहस्य उपन्यासों में कहानी एक शांत देश के घर में होती है, वैसे ही ये उपन्यास एक छोटे से विश्वविद्यालय में होते हैं जहाँ कुछ गिने-चुने और अनोखे लोग साथ रहते हैं। ऐसे माहौल में मज़ेदार और नाटकीय घटनाएँ होती हैं।

जहाँ रहस्य उपन्यासों में यह माहौल डर और सस्पेंस पैदा करता है, वहीं अकादमिक उपन्यासों में यही माहौल मज़ाकिया बन जाता है। यह दिखाया जाता है कि प्रोफेसर छोटी-छोटी बातों को लेकर कितनी गंभीर लड़ाइयाँ लड़ते हैं। इसलिए कहा जाता है कि "शैक्षणिक राजनीति इतनी कटु होती है क्योंकि दांव बहुत छोटे होते हैं।"

हालांकि ज़्यादातर अकादमिक उपन्यास हल्के-फुल्के होते हैं, कई बार इनमें गंभीर विषयों पर भी बात होती है, जैसे ताकत, रिश्ते, समाज में वर्गभेद, और बहिष्कार।

अकादमिक उपन्यास की शुरुआत

वैज्ञानिकों और विद्वानों का मजाक उड़ाना कोई नई बात नहीं है। प्राचीन यूनानी नाटककार एरिस्टोफनीज़ ने अपने नाटक The Clouds में सुकरात को एक टोकरी में आसमान में उड़ते हुए दिखाया था।

बाद में Middlemarch (1874) – जॉर्ज एलियट, Jude the Obscure (1895) – थॉमस हार्डी, The Professor’s House (1925) – विला कैदर, और Gaudy Night (1935) – डोरोथी एल. सायर्स जैसे उपन्यासों में विश्वविद्यालय जीवन दिखाया गया।

लेकिन जिस रूप में आज हम आधुनिक अकादमिक उपन्यास को जानते हैं, उसकी शुरुआत 1950 के दशक में मानी जाती है। ब्रिटेन में The Masters (1951) – सी. पी. स्नो और Lucky Jim (1954) – किंग्सले एमिस प्रमुख उदाहरण हैं। अमेरिका में The Groves of Academe (1951) – मैरी मैकार्थी को महत्वपूर्ण माना जाता है।

कुछ प्रसिद्ध अकादमिक उपन्यास

ब्रिटिश अकादमिक उपन्यास:

  • The History Man (1975) – मैल्कम ब्रैडबरी
  • David Lodge की तीन किताबों की श्रृंखला:
    • Changing Places (1975)
    • Small World (1984)
    • Nice Work (1988)

ब्रिटेन का एक और प्रसिद्ध उपन्यास:

  • Brideshead Revisited (1945) – एवलिन वॉ (यह एक वर्सिटी उपन्यास है जो आमतौर पर ऑक्सफोर्ड या कैम्ब्रिज के छात्र जीवन पर आधारित होता है)

अमेरिकन अकादमिक उपन्यास:

  • Pnin (1957) और Pale Fire (1962) – व्लादिमीर नाबोकोव
  • Giles Goat-Boy (1966) – जॉन बार्थ
  • The War Between the Tates (1974) – एलिसन ल्यूरी
  • White Noise (1985) – डॉन डेलीलो
  • Wonder Boys (1995) – माइकल चैबन
  • Straight Man (1997) – रिचर्ड रूसो
  • The Human Stain (2000) – फिलिप रोथ

समय के साथ अकादमिक उपन्यास में बदलाव

पहले के उपन्यासों में कॉलेज जीवन को एक शांत और अलग दुनिया की तरह दिखाया जाता था। वहां के प्रोफेसर ऐसे दिखाए जाते थे जैसे वे जीवन की हलचल से दूर, शांति से ज्ञान का काम कर रहे हों।

लेकिन आज के उपन्यासों में कॉलेज को समाज का एक छोटा रूप दिखाया जाता है। इनमें पैसे, ताकत, लिंग समानता और नौकरी की सुरक्षा जैसे मुद्दे अहम होते हैं।

ऐडजंक्ट उपन्यास का उदय

अब एक नया प्रकार का उपन्यास उभर कर आया है – Adjunct Novel। इसमें मुख्य पात्र ऐसे शिक्षक होते हैं जिनके पास स्थायी नौकरी नहीं होती, जिन्हें कम वेतन मिलता है और जिनकी नौकरी अनिश्चित होती है। ये उपन्यास उनके संघर्ष, तनाव और जीवन की मुश्किलों को दिखाते हैं।

“Unlucky Jim: The Rise of the Adjunct Novel” नामक लेख ने इस प्रकार के उपन्यास को पहचान दी। यह लेख The Chronicle Review में 16 नवंबर 2012 को छपा था और इसे जेफ्री जे. विलियम्स ने लिखा था।

अकादमिक उपन्यासों पर आधारित कुछ किताबें

  • Ancient Cultures of Conceit (1990) – इयान कार्टर
  • Faculty Towers (2005) – एलेन शोवाल्टर

निष्कर्ष

अकादमिक उपन्यास भले ही एक खास प्रकार की कहानी हो, लेकिन यह हमें विश्वविद्यालयों और वहाँ के लोगों की ज़िंदगी के बारे में बहुत कुछ सिखाता है। ये उपन्यास हमें बताते हैं कि शिक्षा की दुनिया में भी हास्य, संघर्ष, राजनीति और भावनाएँ होती हैं। चाहे हल्के-फुल्के अंदाज़ में हो या गंभीर मुद्दों के ज़रिए, ये कहानियाँ अकादमिक जीवन का सच्चा चित्रण करती हैं।


19 April, 2025

एकेडमिक नावेल, यूनिवर्सिटी नावेल या कैंपस नावेल:

 एकेडमिक नावेल, यूनिवर्सिटी नावेल या कैंपस नावेल:

यह एक ऐसा उपन्यास होता है जिसकी पृष्ठभूमि मुख्य रूप से किसी कॉलेज या विश्वविद्यालय समुदाय पर आधारित होती है, और जिसके मुख्य पात्र प्रायः अकादमिक होते हैं, अक्सर अंग्रेज़ी विभाग में कार्यरत। यह जासूसी उपन्यासों या मर्डर मिस्ट्री की तरह होते हैं, जो अक्सर ब्रिटिश कंट्री हाउस जैसी बंद जगहों पर आधारित होते हैं। एकेडमिक नावेल्स भी ऐसे बंद वातावरण की कल्पनात्मक संभावनाओं का उपयोग करते हैं, जहाँ कई विशिष्ट और अक्सर अजीबोगरीब व्यक्तित्व एक साथ रहते हैं।

जहाँ मर्डर मिस्ट्री में ऐसा बंद वातावरण तनाव को बढ़ा देता है, वहीं एकेडमिक नावेल में यह स्थिति हास्य और महत्वहीनता का माहौल पैदा करती है। अधिकांश एकेडमिक नावेल हास्यप्रधान होते हैं, और कई बार वे इस कथन की व्याख्या करते हैं कि "अकादमिक राजनीति इतनी कटु होती है क्योंकि इसमें दाँव बहुत छोटे होते हैं।" फिर भी, कुछ एकेडमिक नावेल्स ने सत्ता, यौन संबंध, वर्गभेद, बहिष्कार और निर्वासन जैसे गंभीर विषयों को भी उठाया है।

स्वप्नलोक में जीने वाले अव्यावहारिक विचारकों की व्यंग्यात्मक चित्रण की परंपरा बहुत पुरानी है — जैसे अरिस्टोफेन्स का The Clouds, जिसमें सुकरात को एक टोकरी में आकाश में उड़ते हुए दिखाया गया है। जॉर्ज एलियट का Middlemarch (1874), थॉमस हार्डी का Jude the Obscure (1895), विला कैथर का The Professor's House (1925), और डोरोथी एल. सेयर्स का Gaudy Night (1935) जैसे उपन्यासों ने अकादमिक पृष्ठभूमियों या पात्रों को दर्शाया है।

आधुनिक एकेडमिक नावेल को प्रायः 20वीं सदी के मध्य से माना जाता है। इसकी शुरुआत ब्रिटेन में सी. पी. स्नो के The Masters (1951) और किंग्सले एमिस के Lucky Jim (1954), तथा अमेरिका में मैरी मैकार्थी के The Groves of Academe (1951) से मानी जाती है।

ब्रिटिश एकेडमिक नावेल्स में सबसे चर्चित हैं: मैल्कम ब्रैडबरी का The History Man (1975), और डेविड लॉज की त्रयी: Changing Places: A Tale of Two Campuses (1975), Small World: An Academic Romance (1984), और Nice Work (1988)।
एवेलिन वॉ का Brideshead Revisited (1945) एक "वार्सिटी नावेल" माना जाता है, जो एक ब्रिटिश शैली है और मुख्य रूप से ऑक्सफोर्ड या कैम्ब्रिज में स्थापित होता है, जहाँ मुख्य पात्र विद्यार्थी होते हैं, न कि फैकल्टी।

प्रसिद्ध अमेरिकी एकेडमिक नावेल्स में शामिल हैं:
व्लादिमीर नाबोकोव के Pnin (1957) और Pale Fire (1962);
जॉन बार्थ का Giles Goat-Boy (1966), जिसमें यूनिवर्सिटी को ब्रह्मांड का प्रतीक माना गया है;
एलिसन लूरी का The War Between the Tates (1974);
डॉन डीलिलो का White Noise (1985);
माइकल चैबन का Wonder Boys (1995);
रिचर्ड रूसो का Straight Man (1997);
और फिलिप रोथ का The Human Stain (2000)।

समय के साथ, एकेडमिक नावेल्स ने न केवल व्यापक संस्कृति की धारणाओं को प्रतिबिंबित किया है, बल्कि अकादमिक जीवन के बदलते स्वरूप को भी चित्रित किया है। आरंभिक उपन्यासों में विश्वविद्यालय या कॉलेज को एक सीमित, शांतिपूर्ण वातावरण के रूप में चित्रित किया गया था, जिसमें अपनी विशेष परंपराएँ होती थीं। लेकिन हाल की रचनाओं में इसे एक लघु संसार के रूप में देखा गया है, जहाँ व्यापक सांस्कृतिक विचार और मूल्य तीव्र रूप में सामने आते हैं।

21वीं सदी की शुरुआत में इन उपन्यासों का स्वर गम्भीर होता गया क्योंकि शिक्षकों की कार्य स्थितियाँ बिगड़ती गईं और विश्वविद्यालय की शैक्षणिक भूमिका को कॉरपोरेट प्राथमिकताओं ने पीछे छोड़ दिया।
"एडजंक्ट नावेल" में, मुख्य पात्र हाशिये पर खड़े, कम वेतन पाने वाले, और स्थायी पद से वंचित शिक्षक होते हैं, जिनकी स्थिति उन्हें असुरक्षा, अभाव और चिंता में डालती है। इस विषय पर देखें: जेफरी जे. विलियम्स का "Unlucky Jim: The Rise of the Adjunct Novel," The Chronicle Review, 16 नवम्बर 2012, B12–14।
साथ ही देखें: इयान कार्टर, Ancient Cultures of Conceit: British University Fiction in the Post-War Years (1990); और एलेन शोवाल्टर, Faculty Towers: The Academic Novel and Its Discontents (2005)।


अब्सर्ड साहित्य (Absurd Literature) का हिन्दी अनुवाद:

 अब्सर्ड साहित्य (Absurd Literature) का हिन्दी अनुवाद:

अब्सर्ड (विसंगत) साहित्य:
यह शब्द उन अनेक नाट्य एवं गद्य कृतियों पर लागू होता है, जिनकी मूल धारणा यह है कि मानव स्थिति मूल रूप से अब्सर्ड (विसंगत/अर्थहीन) है, और इस स्थिति को केवल उन्हीं साहित्यिक कृतियों में उपयुक्त रूप से दर्शाया जा सकता है जो स्वयं भी अब्सर्ड हों। अब्सर्डता की भावना और नाट्यशैली का संकेत 1896 में अल्फ्रेड जैरी के फ्रेंच नाटक यूबू रॉय (Ubu Roi) में पहले ही मिल चुका था। यह साहित्य अभिव्यक्तिवाद (Expressionism) और अतियथार्थवाद (Surrealism) आंदोलनों से भी प्रभावित रहा, साथ ही फ्रांज काफ्का की 1920 के दशक की रचनाओं (द ट्रायल, मेटामॉर्फोसिस) से भी जुड़ता है।

हालाँकि यह साहित्यिक आंदोलन द्वितीय विश्व युद्ध (1939-45) की विभीषिका के बाद फ्रांस में उभरा, जिसने पारंपरिक संस्कृति और साहित्य की मूल धारणाओं के विरुद्ध विद्रोह के रूप में जन्म लिया। पारंपरिक साहित्य का यह विश्वास था कि मनुष्य एक तर्कसंगत प्राणी है, जो एक कुछ हद तक समझने योग्य ब्रह्मांड में रहता है; कि वह एक सुव्यवस्थित सामाजिक ढाँचे का हिस्सा है; और कि वह पराजय में भी गरिमा और वीरता बनाए रख सकता है।

1940 के बाद एक व्यापक प्रवृत्ति उभरी—विशेष रूप से अस्तित्ववाद (Existentialism) के दर्शन में—जिसमें लेखक जैसे जाँ-पॉल सार्त्र और अल्बर्ट कामू मानते थे कि मनुष्य एक ऐसा अकेला अस्तित्व है जिसे एक अजनबी ब्रह्मांड में फेंक दिया गया है; यह मान्यता कि मानव जीवन में कोई अंतर्निहित सत्य, मूल्य या अर्थ नहीं है। जीवन को एक निरर्थक यात्रा के रूप में दर्शाया गया, जो शून्यता से आरंभ होकर शून्यता की ओर बढ़ती है।

कामू ने द मिथ ऑफ सिज़िफस (1942) में लिखा:

"एक ऐसा ब्रह्मांड जो अचानक भ्रम और रोशनी से वंचित हो गया है, उसमें मनुष्य स्वयं को अजनबी महसूस करता है। यह निर्वासन अपरिवर्तनीय है... मनुष्य और उसके जीवन, अभिनेता और उसके मंच के बीच यह अलगाव ही वास्तव में अब्सर्डता की अनुभूति को जन्म देता है।"

फ्रेंच लेखक यूजीन योंनेस्को (The Bald Soprano - 1949, The Lesson - 1951) ने कहा:

"धार्मिक, दार्शनिक और आध्यात्मिक जड़ों से कट जाने पर मनुष्य खो जाता है, उसके सभी कार्य अर्थहीन, अब्सर्ड और निष्फल हो जाते हैं।"

उन्होंने आगे कहा:

"जो लोग निरर्थकता में डूबे हुए हैं वे केवल विकृत (grotesque) हो सकते हैं, उनके कष्ट केवल उपहासपूर्वक ही दुखद प्रतीत हो सकते हैं।"

सैमुएल बैकेट (1906–1989), इस शैली के सबसे प्रमुख और प्रभावशाली लेखक थे। वे आयरलैंड में जन्मे थे पर पेरिस में रहते थे, और अक्सर फ्रेंच में लिखते और स्वयं अंग्रेजी में अनुवाद करते थे। उनके नाटक जैसे Waiting for Godot (1954) और Endgame (1958) जीवन की निरर्थकता, विवेकहीनता और असहायता को दर्शाते हैं। ये नाटक यथार्थवादी मंचन, तर्कसंगतता और पारंपरिक कथानक संरचना को अस्वीकार करते हैं।

Waiting for Godot में दो भिखारी जैसे पात्र एक उजाड़ स्थान में एक ऐसे व्यक्ति का इंतज़ार करते हैं (गोडो), जो शायद अस्तित्व में ही नहीं है। उनमें से एक कहता है:

“कुछ नहीं होता, कोई नहीं आता, कोई नहीं जाता, यह भयानक है।”

यह नाटक दोहरे अर्थ में अब्सर्ड है — यह हास्यात्मक रूप से विकृत है और तर्कहीन एवं निष्फल भी। यह पश्चिमी संस्कृति की पारंपरिक मान्यताओं का ही नहीं, बल्कि पारंपरिक नाटक की शैलियों और स्वयं अपने नाट्य-माध्यम का भी पैरोडी (व्यंग्यात्मक अनुकरण) करता है।

बैकेट की गद्य कृतियाँ जैसे Malone Dies (1958) और The Unnamable (1960) एक ऐसे ‘एंटी-हीरो’ को दर्शाती हैं जो सभ्यता के अंतिम खेल (Endgame) की निरर्थक चालें चलता है, जहाँ भाषा का भी विघटन होता है। फिर भी, बैकेट के पात्र जीवन में अर्थ खोजने का प्रयास करते हैं, चाहे वह अर्थहीन ही क्यों न हो।

अन्य प्रमुख लेखक:

  • ज्यां जेने (Jean Genet) — जिनके नाटकों में अब्सर्डता और शैतानियत का मेल है।

  • हेरॉल्ड पिंटर (अंग्रेज़) और एडवर्ड एल्बी (अमेरिकी) के कुछ शुरुआती नाटक इसी शैली में हैं।

  • टॉम स्टॉपर्ड के प्रारंभिक नाटक जैसे Rosencrantz and Guildenstern Are Dead (1966) और Travesties (1974) अब्सर्ड तकनीकों का उपयोग हास्य के लिए करते हैं।

ब्लैक कॉमेडी (काले हास्य) के साथ समानताएँ:
इनमें भी अब्सर्डता और त्रासदी मिश्रित होती है। उदाहरण:

  • जोसेफ हेलर की Catch-22 (1961)

  • थॉमस पिंचन की V (1963)

  • कर्ट वोनगट, जूनियर, जॉन बार्थ, और गुंटर ग्रास के उपन्यास

  • फिल्म: स्टेनली क्यूब्रिक की Dr. Strangelove (1964)

राजनीतिक विरोध में उपयोग:

  • चेक लेखक वैक्लाव हावेल का Largo Desolato (1987)

  • दक्षिण अफ्रीकी लेखक एथोल फुगार्ड, जॉन कानी, और विंस्टन न्टशोना का The Island (1973)

संदर्भ ग्रंथ:

  • Martin Esslin, The Theatre of the Absurd (1968)

  • David Grossvogel, The Blasphemers (1965)

  • Arnold Hinchliffe, The Absurd (1969)

  • Max Schultz, Black Humor Fiction of the Sixties (1980)

  • Brater & Cohn, eds., Around the Absurd (1990)

  • Neil Cornwell, The Absurd in Literature (2006)

संबंधित प्रविष्टियाँ:
विट (wit), हास्य (humor), और हास्य-नाटक (the comic)।